Gangs of New York, de Martin Scorsese, de um roteiro de Jay Cocks, Steven Zaillian e Kenneth Lonergan, baseado em uma história de Jay Cocks, foi supostamente inspirado na crônica de Herbert Asbury de 1928, Gangs of New York, que Scorsese leu por mais de 30 anos atrás, muito mais tarde, compartilhando seu entusiasmo pelo livro como um projeto de filme com um amigo roteirista, Sr. Cocks. O resultado reverbera na tela com uma força mortal e fúria mais intensa do que qualquer coisa que Scorsese já alcançou nas ruas mais cruéis e amadas que ele poderia imaginar ou se lembrar.
O filme foi muito criticado por jogar de forma rápida e solta com os fatos históricos do período - principalmente a década de 1860 - e o meio: o bairro Five Points, no sul de Manhattan. Ainda assim, não imagino que o assunto jamais teria sido abordado em primeiro lugar por um cineasta menos envolvido emocionalmente com o material do que o Sr. Scorsese. Portanto, tenho uma dívida de gratidão com ele por fazer o filme nesta época lamentável, quando muitas pessoas continuam balbuciando sobre como os nova-iorquinos perderam a inocência desde 11 de setembro.
Gangs of New York começa com uma cena de batalha extensa e massiva que envolve gangues rivais de persuasões nativistas anticatólicas e de imigrantes irlandeses católicos. O cenário é ostensivamente o caldeirão de pobreza, crime e preconceito de Manhattan, conhecido como Five Points, por volta de 1846, mas o armamento primitivo dos combatentes - isto é, machados, facas, espadas e clavas - dá ao espetáculo uma aparência e som medievais . Braveheart de Mel Gibson (1995), com sua brouhaha escocesa / britânica, vem à mente como a gangue Hibernian Five Points, os Dead Rabbits - liderados pelo Priest Vallon de Liam Neeson - confrontam as hordas protestantes dominantes lideradas por Daniel Day-Lewis. Corte de William (Bill, o Açougueiro). Em um nível mais pessoal, a batalha também evoca Era uma vez no Ocidente (1969), de Sergio Leone, quando um jovem Amsterdam Vallon (Cian McCormack) - vê seu pai morrer nas mãos e na lâmina de Bill, o Açougueiro e faz votos para vingá-lo. Mas quando Scorsese e seus colaboradores mergulham na história e sociologia dos Five Points 16 anos depois, no meio da Guerra Civil, Gangs of New York se torna multifacetada demais para transmitir o fervor étnico de Gibson ou o emocionalismo visualmente focado de Leone .
O adulto Amsterdam Fallon de Leonardo DiCaprio se insinua com sucesso na confiança de Bill, o Açougueiro, assim como em sua gangue, mas o fascínio crescente de Amsterdam pelo assassino de seu pai parece enfraquecer, como Hamlet, sua determinação de se vingar. Eu não sei o que aconteceu durante a escrita e a filmagem do filme, mas em algum lugar ao longo da linha, o Sr. Day-Lewis 'Bill, o Açougueiro, se tornou o Claudius que rouba o show do Sr. DiCaprio’s Hamlet.
Ambos os personagens desfrutam dos favores da voluptuosa batedora de carteiras Jenny Everdeane, interpretada com entusiasmo por Cameron Diaz, provavelmente um nome de bilheteria maior hoje em dia depois dos Anjos de Charlie do que DiCaprio ou Day-Lewis. Ainda assim, há ambigüidade e complexidade demais no desenvolvimento dos personagens principais e suas várias causas para as demandas moralmente simplistas e maniqueístas de épicos populares com heróis e vilões claramente definidos.
Isso não quer dizer que a mise en scène de Scorsese seja cada vez menos do que arrebatadora em sua recriação de pesadelo dos frenesi Five Points através do maravilhoso design de produção de Dante Ferretti, que usa cenários construídos do zero nos estúdios Cinecitta de Roma. Sentimo-nos presos a um passado do qual não há como escapar, à medida que a história das gangues paroquiais colide explosivamente com a história americana dos livros didáticos nas violentas e infames revoltas de recrutamento de 1863, que iluminaram o preconceito racial dos irlandeses contra os negros, em a forma hedionda de vários linchamentos e a injustiça subjacente de homens ricos serem autorizados - pelo governo de Abraham Lincoln, nada menos - a comprar sua saída do recrutamento por US $ 300, uma soma inatingível para os imigrantes irlandeses movidos pela fome da batata . Há rumores de que o preço vigente para os tarugos da Guarda Nacional que permitiram que os plutocratas da geração de George W. Bush evitassem o Vietnã era de US $ 5.000 - uma escalada razoável para um século de inflação.
Os próprios distúrbios e sua repressão brutal marcam um capítulo sangrento na história da cidade de Nova York e do país. Resta saber se o público com algum traço de curiosidade histórica é grande o suficiente para fazer o Gangs of New York pelo menos empatar. Mas com os jovens cinéfilos aparentemente desinteressados na década de 1960, é difícil ver como um filme sobre a década de 1860 os afastará de seus novos videogames.
Para o resto de nós, Gangs of New York nunca é menos do que interessante e, muitas vezes, emocionante e absorvente. Sua violência às vezes é horrível, mas nunca gratuita. Em última análise, é onde estávamos uma vez na terra prometida que chamamos de América, e seria muito adulto lembrarmos disso. O filme é imensamente ajudado em sua assistibilidade pelas persuasivas performances de Jim Broadbent como o cínico e corrupto Boss Tweed, John C. Reilly como o policial vira-casaca irlandês-americano em uma administração municipal anti-irlandesa, Brendan Gleason como um irlandês-americano mártir político e David Hemmings como um conservador hipócrita e compassivo da época.
Superficialidade oportuna
Chicago de Rob Marshall, a partir de um roteiro de Bill Condon, foi adaptado gratuitamente da peça musical Chicago de 1975, dirigida e coreografada para o palco por Bob Fosse, com música de John Kander e letra de Fred Ebb. Maurine Dallas Watkins escreveu a peça original em 1926 com o título The Brave Little Woman, que por sua vez inspirou dois filmes, Chicago silenciosa de Frank Urson em 1927 (de um roteiro de Lenore J. Coffee, com Phyllis Haver como Roxie Hart), e William Roxie Hart de A. Wellman em 1942 (de um roteiro de Nunnally Johnson, com Ginger Rogers no papel-título).
Em todas as suas encarnações nos últimos 75 anos ou mais, a história básica não perdeu nada de sua atualidade superficial. Na verdade, os julgamentos de assassinato de celebridades em benefício do público voraz e manipulado pela mídia provavelmente sempre estarão conosco, o que é mais do que se pode dizer do gênero musical de Hollywood, nascido com a chegada do som no final dos anos 20 e florescendo no Dos anos 30 até os anos 50, apenas para virtualmente desaparecer nas últimas décadas - principalmente por causa da crescente importância para os resultados financeiros de Hollywood nos mercados estrangeiros, para os quais musicais americanos não viajam bem.
A Chicago atual tem sido saudada por muitos de meus colegas como o musical que poderia reiniciar o gênero moribundo. Por qualquer padrão, é uma grande melhoria em relação ao Moulin Rouge de Baz Luhrmann (2001), uma mascarada pomposamente recheada que se apresenta como um musical. Na verdade, Chicago é, em muitos aspectos, uma conquista admirável. Teve sucesso com várias apostas, incluindo o casting, adaptação e edição, que divide a apresentação entre o mundo dos sonhos e o mundo supostamente real, entre o teatro da mente e o teatro da Chicago dos anos 20 - e, o mais perigosamente, entre embora musicalmente treinado não exageradamente experientes músicos como Catherine Zeta-Jones, Queen Latifah e (o mais surpreendente de tudo) John C. Reilly, e comparativamente amadores, embora talentosos, estudos rápidos como Renée Zellweger e Richard Gere.
Chicago de Marshall é um musical de duas divas, com a Sra. Zellweger como Roxie Hart e a Sra. Zeta-Jones como Velma Kelly, a amarga rival de Roxie até que eles formem um par de conveniência para seu último ganho com a absolvição. -para-número de assassinato, realizado sob aplausos da cidade. Mas pode-se notar, de fato, que Velma não apareceu como personagem em um dos dois filmes anteriores ou na peça original; ela fez sua estreia na produção teatral de Bob Fosse em 1975, com Gwen Verdon dançando e cantando o papel de Roxie Hart, e Chita Rivera dançando e cantando o papel de Velma Kelly.
A química entre Zellweger e Zeta-Jones é mais fria e muito menos alegre do que entre Marilyn Monroe e Jane Russell em Gentlemen Prefer Blondes de Howard Hawks (1953), do roteiro de Charles Lederer, baseado no romance de Anita Loos, com canções de Jule Styne e Leo Robin - conseqüentemente, Chicago é quase por definição, um musical sem coração: um ingrediente que a maioria de nós precisa e espera em um musical, quer queiramos admitir ou não. Roxie e Velma são ambas terminais egoístas e egocêntricas, com egos famintos e necessitados que tocam melhor nos palcos frágeis e hipersofisticados da Broadway do que nas telas prateadas do mundo.
Aqui, um curioso paradoxo entra em jogo na interação icônica entre a Sra. Zellweger e a Sra. Zeta-Jones. Embora a Sra. Zeta-Jones tenha sido uma beleza atraente e encorpada em seus papéis anteriores, ela nunca gerou muito calor ou sentimento. Ela é, portanto, perfeitamente escalada como Velma. A Sra. Zellweger é uma história totalmente diferente, já que ela explorou seus sentimentos mais profundos com uma boa aparência apenas moderada para conquistar os corações do público. Felizmente, ela não deixa de ter humor e ironia para amenizar a brutalidade de sua personagem em Chicago. No entanto, sua crueldade com o marido - interpretada com uma nobreza nebulosa pelo Sr. Reilly - a torna menos do que simpática. O que quero dizer é que os personagens de Monroe e Russell gostavam muito um do outro, e esse é um dos motivos pelos quais sua união permaneceu tão memorável. Mesmo assim, você deve conhecer Chicago, nem que seja para ver o que quero dizer e, possivelmente, discordar de mim.
Delightful Dickens
Nicholas Nickleby de Douglas McGrath, de seu próprio roteiro, baseado no romance de Charles Dickens, felizmente acaba sendo mais fiel ao espírito natalino do que todos os filmes do Papai Noel juntos. É um Nickleby enxuto, mas não anêmico, que McGrath moldou a partir do romance de Dickens de 816 páginas, mantendo a narrativa central alegre e envolvente. O filme é enriquecido por uma mistura imaginativa de espíritos estranhos, encabeçados por Christopher Plummer como o tio Ralph mais sutil e complexo que eu já vi nos muitos filmes e adaptações teatrais da obra. Não muito atrás estão Jamie Bell como o malfadado Smike; Jim Broadbent como o sádico Wackford Squeers; Juliet Stevenson como a assustadora Sra. Squeers; Tom Courtenay como o balconista bêbado, mas sempre prestativo, Newman Noggs; Nathan Lane como o deliciosamente amador empresário teatral, Vincent Crummles; Barry Humphries (também conhecido como Dame Edna E Mage) como Sra. Crummles; Timothy Spall como um dos gêmeos Cheeryble, Edward Fox como o lascivo Sir Mulberry Hawk; e Alan Cumming como um aristocrata mais honrado, o Sr. Folair.
As partes comparativamente retas do próprio Nicholas Nickleby (Charlie Hunnan), sua amada Madeline Bray (Anne Hathaway), sua mãe miserável (Stella Gonet) e sua irmã sitiada Kate (Romola Garai) são menos imponentes do que as dos excêntricos, mas Dickens sempre foi mais confortável e criativo com suas criaturas irônicas do que com seus heróis e heroínas de pão branco.
Juventude de Hitler
Menno Meyjes 'Max, de seu próprio roteiro, nos leva a Munique em 1918, quando dois retornando derrotaram veteranos alemães - um fictício, um rico negociante de arte judeu chamado Max Rothman (John Cusak) e o outro um homem de 30 anos aspirante a pintor chamado Adolf Hitler - conheçam e se envolvam temporariamente no que se torna um momento crucial na história mundial. Os e se envolvidos ofenderam algumas pessoas, mas eu achei o filme fascinante por seu subtexto sobre arte e política, então como agora.
