Sam Poon, o baterista Anthony Genovesi, Jakeim Hart e Gian Perez em Rua Cante .Matthew Murphy O filme de amadurecimento do escritor e diretor John Carney sobre as crianças de Dublin dos anos 1980 abrindo caminho para a libertação pessoal foi lançado em 2016 e, menos de quatro anos depois, é um musical off-Broadway. Esse deve ser um novo recorde de velocidade terrestre para adaptar uma propriedade da tela ao estágio. Com base no silenciado e decepcionante Rua Cante no New York Theatre Workshop, no entanto, a equipe criativa deveria ter demorado mais, falhado mais e aprendido com seus erros. Muito do que é novo e atraente no filme (que é alegremente estereotipado) foi perdido em um quadro teatral de chumbo que retira o ambiente, o caráter e a produção musical de qualquer tensão ou encanto.
Ao retratar um grupo heterogêneo de párias irlandeses espinhentos formando uma banda, praticando suas canções em quartos e garagens e, em seguida, preparando-se para o Big Show, o filme tem vantagens consideráveis. Primeiro, você pode escalar adolescentes reais em toda a sua glória estranha, não um bando de atores que são um pouco velhos e polidos demais para serem totalmente convincentes. O filme também captura período e classe com mais eficiência do que o livro superficial e sem foco de Enda Walsh. No filme original, os problemas financeiros da família forçam a classe média Conor a se transferir de uma escola particular chique para uma instituição miserável de classe trabalhadora administrada pelos Irmãos Cristãos. As brigas e intimidações ali - tanto por parte de alunos quanto de padres abusivos - conferem à situação de Conor uma vantagem brutal e classista. Mas Walsh e a diretora Rebecca Taichman evitam as possibilidades sombrias e corajosas, e o resultado é que a nova situação de Conor é meramente inconveniente, não um pesadelo.
A trama realmente começa a funcionar quando Conor (Brenock O’Connor) vê a bela e jovem Raphina (Zara Devlin), parada em uma esquina com óculos de sol com uma aparência incrivelmente descolada. Imediatamente apaixonado, ele faz o que qualquer garoto de sangue vermelho faria em 1982: ele diz a ela que sua banda está gravando um videoclipe e ela gostaria de participar? Claro, ele agora deve se esforçar para formar uma banda. Novamente, o processo de recrutamento de músicos amadores foi peculiar e vencedor no filme; aqui, é mecânico, com Walsh falhando em individualizar os membros da banda além de tiques preguiçosos: um tem bigode, outro quer bigode, um terceiro quer parecer um papagaio. Em comparação, os pequenos destruidores de guitarras em Escola de rock eram praticamente chekhovianos. O irmão agorafóbico e esgotado de Conor, Brendan (Gus Halper), chega mais perto de uma figura totalmente carnuda no palco, e ele consegue o grande final catártico, mas parece uma reflexão tardia. Devlin tem carisma abundante e um vibrato adorável que lembra Kate Bush, mas ela, como todos, é obscurecida pelas piadas presunçosas de Walsh (escavações recorrentes sobre o dramaturgo irlandês John Millington Synge que não levam a lugar nenhum).
As músicas, de Gary Clark e Carney, são números originais canalizando habilmente o pop pesado de sintetizadores e a New Wave dos anos 80, e o elenco parece gostar de tocar por conta própria. As seções do concerto são divertidas, com a banda agitando seus instrumentos ou fazendo beicinho e se enfeitando para a câmera. Mas sobre esses elementos do videoclipe: o empresário da banda, Darren (Max William Bartos) é o cinegrafista chefe, montando filmagens de orçamento apertado com Raphina e os meninos. O cenógrafo Bob Crowley colocou uma grande tela no centro do palco, na qual está impressa uma grande imagem do mar aberto (uma placa de sinalização bastante contundente de escapismo). A tela parece um espaço convidativo para projeção de vídeo ao vivo ou talvez filmagens de fantasia - a autoimagem esperançosa da banda. A falta de vídeo no design de produção parece uma escolha idiota e contra-intuitiva.
Mas então, a abordagem geral de Taichman para a história é frustrantemente hesitante. Em vez de optar pelo realismo teatral de Billy Elliot ou a construção mundial estilizada de Spring Awakening , ela opta por uma estética de apresentação despojada. Atores também atuam como músicos, assistindo da arquibancada quando não estão em uma cena. Quase não há cenários ou pistas visuais para aliviar o paladar monótono e lamacento: uma batina preta de padre, uniformes escolares cinza, aquela extensão de mar estática e entediante ao fundo. Esse minimalismo desafiador começa a parecer falta de imaginação e coragem.
Talvez você não deva tentar fazer um musical desconstruído de arte a partir de um filme tão profundamente convencional e romântico como Rua Cante . A menos que os produtores estejam dispostos a afundar milhões em uma versão extravagante e colorida da Broadway - talvez com atores adolescentes e adultos como seus futuros sósias de fantasia? quero um musical que funcione e transmita alegria. Sem dúvida, a New York Theatre Workshop está ansiosa por outra vaca leiteira para se transferir para a Broadway, como Uma vez (também um filme de Carney) fez alguns anos atrás. Mas este é um trabalho urgente com o escritor do livro e a equipe de design errados. Uma das faixas mais cativantes da pontuação é um rockeiro da liberdade chamado Drive It Like You Stole It. Eles podem ter roubado o veículo certo, mas ninguém consegue colocá-lo em primeira marcha.
