A cor é uma linguagem polifônica que traz o artista nigeriano-americano Victor Ekpuk (n.1964) e indiano-americano Natvar Bhavsar (n.1934) para explorar a extensão de uma paleta expressiva e ricamente saturada para desenhar novas geografias em mostras paralelas em Galeria de ícones .
Três anos depois de um primeiro show solo , Ekpuk apresenta em “ Eu sou a essência do meu ancestral ” pinturas e esculturas em aço de 2014 a 2022, revisitando a noção de lar, desenraizamento e tradições reimaginadas. Através de traços arrojados e ingênuos, Ekpuk dá corpo e voz a cores primárias dominantes. Eles rugem; desafio; e atrapalhar. Ekpuk reinterpreta de maneira sensível e gráfica nsibidi, símbolos pictogramas tradicionais do sul e sudeste da Nigéria que viajaram para o Haiti e Cuba junto com o tráfico de escravos no Atlântico.
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Tais símbolos pairam sobre as mentes dos personagens, por exemplo, em pinturas Matriarca 2 (2021) e Cabeça a Cabeça 2 (2022), e escultura Garota Ibibio (2022), que transmitem a intraduzibilidade dos pensamentos internos. Dentro Oráculo (2014-2022), formas azuis inspiradas em nsibidi envolvem toda a tela. Sua totalidade solidifica seus traços indivisíveis. O personagem - quase simétrico e texturizado - se mistura a essa vasta inconsciência coletiva que não é totalmente passada nem presente. Seu rosto é simbolizado por um olho onisciente. A mente observa principalmente; sua função é ver o que é visível e oculto.
Das raízes africanas às paisagens mais próximas, Este americano (2022) é uma tentativa impressionante de capturar a fisicalidade da negritude na sociedade americana de hoje. A pintura é baseada em um esboço anterior, então chamado Chefe de Estado (2011). Linhas nítidas e vívidas sugerem divisão, confronto e liminaridade – há um dentro e um fora, um eu e os outros. O personagem totêmico – uma iconografia recorrente nas obras de Ekpuk – se destaca. Seus cabelos formam os contornos de vigias ambíguos. Pode-se atingir os outros nesses interstícios ou se proteger de ataques externos. Aqui as formas nsibidi também adicionam padrões e texturas que resistem ao apagamento.
“Não é necessário tentar ler literalmente o meu trabalho, é mais importante permitir-se sentir a arte, sem o fardo de procurar significado em cada marca.” disse Ekpuk em uma entrevista com Art Breath, em um vocabulário pessoal que ele derivou da arte e da escrita. Um bolsista do Smithsonian Institution agora baseado em DC, os trabalhos de Ekpuk foram apresentados na Bienal de Joanesburgo (1995), Bienal de Dakar (2014) e na Instituto do Mundo Árabe (2017) entre outros locais e coleções notáveis.
A arte em papel de Ekpuk, através de acrílico sobre colagem, celebra a feminilidade e seus atributos sagrados. Tecido e mais marcas labirínticas nsibidi definem as silhuetas das estatuetas, lembrando como Bronzes do Benim e outros artefatos indígenas adquiridos indevidamente permanecem em um número obsceno de coleções, longe de onde realmente pertencem – em casa, em suas comunidades. A confiança e o desafio de garota liberiana (2022) contrasta com o olhar melancólico em Senhora no vestido de domingo (2022) e há um grau de perda em ambas as imagens. No primeiro, o contorno vermelho e vazio de um totem assombra como uma memória dolorosa, enquanto o último carrega uma nuvem de pensamentos sinuosos, projetando uma sombra em um dia ensolarado.
Nesses trabalhos, Ekpuk usa os códigos do retrato e ícones coloridos incendiários para denunciar os legados coloniais e sua estética simplificada. Encarnando um solo mental e um lar cultural, os totens são testemunhas essencializadas de uma identidade fluida que busca captar anseios celestes e o firme reconhecimento de uma terra e território. A cor é um meio de perceber e tal experiência fenomenológica não tem paralelo nas obras de Natvar Bhavsar.
“ Parte III: Trabalhos de 1987 a 2005 ” forma a terceira parcela de uma retrospectiva serializada. Nesta última mostra que inclui 14 pinturas, Bhavsar joga com a infinidade linguística da cor que transforma em dança, intimidade, movimento de pigmentos despidos de elementos figurativos. Ao fazer isso, ele revela o poder da intensidade visual em termos minimalistas, mas poderosos.
Bhavsar, nascido na Índia, mudou-se para Nova York em 1962, numa época em que os artistas moravam nos mesmos bairros que as galerias, e o ambiente do SoHo incluía perfis familiares como Mark Rothko e Barnett Newman. É na abstração que Bhavsar lembra as cores dos tecidos e corantes indianos e os pós do Festival Holi. A cor é um refúgio para os caprichos das lembranças, as difrações da mente e seu potencial libertador.
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Bhavsar apresenta três conjuntos de trabalhos que abraçam coletivamente a tensão de explorar a mente e encontrar seu lugar no mundo. Essa dualidade é mostrada como uma exploração gradual de cores frias a quentes, a maioria das quais contém um núcleo denso de pigmentos como VASOO II (1997) e VASOO III (1997). Esses respingos, sopros e borrões canalizam a imensurável fronteira do espaço sideral, uma escala maleável que também se presta a formas moleculares. Seja no infinitamente grande ou irredutivelmente pequeno, nossa mente vagueia nas várias difrações e declinações que esses pigmentos aumentam.
Da cor intensamente saturada, pinturas como MANJARE II (1996) e VERGAA (1973-2004) trazem tons mais suaves e etéreos. Com eles, fazemos uma pausa e o tempo permanece tão suavemente em uma vista edênica, parecida com algodão. GAT III (2001) é mais desordenado e conturbado, com cinzas dessaturando tons de amarelo.
Bhavsar geralmente pinta em fases ou ciclos, alternando entre azuis, vermelhos, roxos e muito mais. Não há uma cor que ele não tenha abordado em sua carreira de mais de 50 anos. Trabalhos mais recentes como BHADRAA III (2005) e ANDHARE (2005), aplicam artesanato controlado em esculpir belos recortes e detalhes que conversam com a versão artística de nsibidi ou nsibidi de Ekpuk. Rachid Koraichi' s letrismo místico.
É difícil transmitir em palavras a emoção sensorial que essas pinturas provocam. Bhavsar é parte mágico, parte músico e o talento experiente que permeia suas obras agarra-se à sua aparente simplicidade. Onde Ekpuk comunica amor e violência viscerais, a luz difusa de Bhavsar parece mais indulgente, mas não menos profunda.
Bhavsar entende a escuridão e as sombras como variantes e interlocutores necessários aos companheiros prismáticos, uma subjetividade que se apropria da pintura como mais do que apenas uma matéria ou meio. Bhavsar retrata evanescência e devaneios, a fumaça de um momento e aliterações da elevação humana de maneiras muito mais orgânicas do que o movimento Light and Space da Costa Oeste dos anos 1960, que foi revivido por meio de shows recentes como “ Color Out of Darkness” com curadoria de James Turrell na Pace última primavera. Embora suas obras façam parte de uma número impressionante de coleções institucionais e privadas, sua contribuição para o expressionismo abstrato contemporâneo tem sido muitas vezes subestimada.
“A cor me possui. Eu não tenho que persegui-lo. Ele sempre me perseguirá, eu sei disso”, escreveu Paul Klee em seu diário, durante uma memorável viagem de duas semanas à Tunísia com os colegas artistas August Macke e Louis Moilliet em 1914. “Cor e eu somos um. Eu sou um pintor”, Klee acrescentaria naquele mesmo dia.
Tanta coisa em torno da cor permanece elusiva, imaterial e consagrada. A luminosidade é uma aura, uma energia, estímulos viciantes e vida pura. Tanto nos shows de Ekpuk quanto de Bhavsar dedicados ao deslocamento e ao sentimento, vemos em cores um coração pulsante, as remanências de sonhos, pós-imagens e os sons inabaláveis de outros lugares.
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