59ª Bienal de Veneza , “The Milk of Dreams”, estreou em abril passado sob o signo do Surrealist de Leonora Carrington livro infantil homônimo . Evento altamente esperado que está sendo retomado pela primeira vez desde o início da pandemia, a Bienal se ancora ostensivamente no feminismo. Pastoreado pela primeira vez por um curador italiano, Cecilia Alemani (diretora e curadora-chefe do High Line de Nova York), também inclui uma maioria sem precedentes de artistas mulheres, exibidas em vários locais da cidade.
A proposta histórica da arte de Alemani sobre o surrealismo toma forma em cinco “cápsulas” desenhadas para revisitar poeticamente três noções emprestadas do filósofo contemporâneo italiano Rosi Braidotti : periferia do homem, devir-máquina e devir-terra.
Em “O Berço da Feiticeira”, uma das cápsulas mais emocionantes localizadas no Pavilhão Central da Bienal, o formato serve para discutir as facetas de uma “Nova Mulher” e reintroduzir as obras de artistas mulheres esquecidas ou esquecidas, como a argelina- nascido Voltar Mahieddine (nascida Fátima Haddad, 1931-1998) que começou a expor em Paris aos 16 anos, ou congolesa Fossa de Antonieta (1895-desconhecido), narrativa moderna pioneira em uma época de massacres coloniais predominantes.
No entanto, juntas, essas cápsulas, por mais informativas e educativas que sejam, esboçam um quadro histórico confuso do Surrealismo reduzido a um conjunto de vários elementos e qualificadores - esquisitos, estranhos, saudosamente nostálgicos, mitológicos, multiformemente espirituais, sexualmente fluidos - que seguem as demandas do Zeitgeist de inclusão e diversidade, mas a partir do qual um argumento coeso luta para emergir. O surrealismo é apenas ousado, estranho e estranho?
Por exemplo, um clipe de documentário alegre de uma dança sensual e despreocupada Josephine Baker (1906-1975) lembra seu status de vanguarda na Paris do entreguerras, mas é necessariamente “Surrealista” que nos perguntamos.
O filósofo francês André Breton, autor do livro Manifesto Surrealista (1924) teve Surrealismo definido como um “automatismo psíquico em estado puro, pelo qual se propõe expressar – verbalmente, por meio da palavra escrita, ou de qualquer outra forma – o funcionamento efetivo do pensamento”. Basicamente, um projeto revolucionário, inconformista e emancipador “ditado pelo pensamento, na ausência de qualquer controle exercido pela razão, isento de qualquer preocupação estética ou moral”. Trata-se de desenterrar a inconsciência para desencadear representações ilógicas, absurdas e desbridadas de ocorrências e obsessões semelhantes a sonhos que iluminam temas mais amplos.
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A inclusão de Alemani de pioneiros históricos como Remédios para Varus (1908-1963), Leonora Carrington (1917-2011) e Cecília Vicunha (n.1948) demonstra de forma mais convincente do que outros artistas participantes que o Surrealismo é primeiro sobre uma renegociação da realidade, um salto fundamental e audácia, um golpe sem remorso contra a impossibilidade que transcende o esteticamente estranho e ousado com uma reflexão sobre percepção, existência e alteridade .
Vicuña, que recebeu um Leão de Ouro pelo conjunto de sua obra juntamente com Katharina Fritsch, reimagina a agência oprimida e a limpeza ética através da digestão em O Comedor (2019). Na obra que a artista teve que repintar a partir de um original dos anos 1970, uma mulher nua come seres humanos, olhando obliquamente para o espectador, tornando-nos cúmplices de seu sonho de comer “malfeitores” para “digerí-los e defecá-los para minha merda para fertilizar a terra, para que uma nova civilização possa nascer”. Sim por favor.
No Arsenale de Veneza, longe do Pavilhão Central de Giardini, uma geração à parte, o gravador cubano Belkis Ayon (1967-1997) e pintor mexicano Felipe Baeza (n. 1987) explora a profundidade dos olhos como portais multidimensionais e reinterpreta a qualidade comovente das silhuetas de Varo - incisivamente fluidas, assustadoramente assustadoras, comandando em seu silêncio.
Em uma veia semelhante trazendo insights contemporâneos para formas familiares, o Grupo artístico de Macau “YiiMa” distorce o espírito dos afrescos renascentistas e do teto da Capela Sistina de Michelangelo com uma “Alegoria dos Sonhos” inspirada na história da arte, na qual cenas da cultura moderna de Macau encontram a eminência aérea.
Criaturas de outro mundo são os temas frequentes das explorações artísticas da Bienal – desde a arqueológica e prometéica com o artista libanês Ali Cherri (nascido em 1976) aos experimentos transumanistas e cinéticos de Yunchul Kim (n.1970) no Pavilhão da República da Coreia e a coreografia orgânica, emplumada e escorregadia de A árvore de ensino a partir de Muhannad ShonoMais (n.1977) representando Arábia Saudita . Neste labirinto subconsciente, as figuras gigantes espectrais do artista congolês Sandra Muginga convidam a uma simbólica viagem espeleológica a um pseudo-cemitério à luz da cal, contrastando com o verde luxuriante da Precioso Okoyomon jardim de (apropriadamente intitulado Ver a Terra Antes do Fim do Mundo , 2022) que apresenta personagens matriarcais semelhantes a totens suavemente ultrapassados por trepadeiras vivas.
Cosmogonias sagradas – reinventadas, reinterpretadas, reclassificadas – renegociam as fronteiras do sagrado, respondendo aos desejos curatoriais de Alemani por um reencantamento de um mundo muito conturbado. artista do Zimbábue Portia O que eles viram (n.1985) mergulha na mitologia ancestral em novas obras nas quais figuras oníricas flutuam, envoltas e elevadas. Dentro A captura de corujas ( Corujas capturadas ) 2022, Zvavahera retrata um grupo de corujas e suplicantes humanóides ajoelhados em um envelope semelhante a um útero de uma escuridão celestial, misturando o azul da meia-noite e da Prússia com pigmentos de ameixa. Este encontro místico cavernoso contrasta com as pinturas folclóricas etéreas em grande escala do artista dominicano Firela Baez.
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“O Leite dos Sonhos” também proporcionou um espaço para os artistas situarem seus corpos em relação ao seu lugar no mundo. “ Acampamento Paraíso ”, hospedado no pavilhão nacional da Nova Zelândia, subverte brilhantemente o olhar branco e o orientalismo através de imagens poderosas do Fa’afafine de Sāmoa, ou terceiro gênero. E quando não direcionados à tradição e às representações ocultas de Paul Gauguin do século 19 de mulheres do Pacífico, outros artistas, como palestinos Noor Abuarafeh (n.1986) e coreano Myung Hee Oh (n.1956) no Palazzo Mora, respectivamente, desafiam a opressão histórica dos museus que reproduzem a violência colonial e o legado doloroso de “mulheres de conforto” abusadas e torturadas durante a ocupação japonesa da Península Coreana (1910-1945).
Em outras estreias, a Bienal deste ano congratula-se ainda com a primeira participação do Sultanato de Omã , em uma exposição coletiva que aborda a vida humana como relíquia e memória; Gana , soberbamente representado em “Black Star – The Museum as Freedom”; e a República do Quirguizistão com Firouz Farman Farmaian sombras de deslocamento e ancestralidade pós-Revolução Islâmica, demonstrando um imenso potencial criativo fora das projeções ocidentais convencionalmente mapeadas, ainda amplamente subaproveitadas.
Se as cápsulas históricas da Bienal são sobre olhar para o retrovisor, então espera-se que o resto da exposição fale mais expressamente com o oportuno e atemporal, se houver. Enquanto as obras individuais transmitem as noções mescladas de metamorfoses e contemplações oníricas, a Bienal coletivamente não consegue abrir mão de restrições estéticas e figurativas, de ser o receptáculo do “estado puro” de Breton e de desafiar significativamente uma ordem racional com temas tão familiares e bem integrado em quase todos os grandes eventos de arte nas últimas décadas.
O Giardini da Bienal exemplifica ainda mais esse déjà-vus. Adjacente ao Pavilhão Central destacam-se os grandes nomes: Simone Leigh (vencedor do Leão de Ouro de Melhor Participante da exposição principal), Sônia Boyce (vencedor do Leão de Ouro de Melhor Participação Nacional), bem como Zineb Sedira (Menção Especial), representando respectivamente os pavilhões nacionais dos Estados Unidos, Grã-Bretanha e França em instalações que agradam amplamente sem fazer perguntas novas e não formuladas.
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Muito tem sido escrito sobre eles, que remetem ao talento, é claro, bem como ao acesso assimétrico, já que a maioria dos artistas não ocidentais exigia vários milhares de passos adicionais para o Arsenale e em locais dispersos fora do local da cidade para serem vistos, e dias para ver tudo em um destino turístico caro. Essa geografia privilegiada - uma mini-Bienal conveniente dentro do perímetro do Giardini que recebeu atenção desproporcional da grande maioria - reforça a dominação ocidental para visitantes ocupados. E quem realmente diz não a um passeio rápido e eficiente?
Agora imagine a arte como um abraço e um soco, como uma ponte intangível de solidariedade e universalidade. Imagine, por que não, a França emprestando seu pavilhão nacional para artistas malgaxes ou malianos, ou o pavilhão dos EUA hospedando artistas cubanos ou iranianos. Apenas imagine.
Como se sente, surrealista?
