Talvez tenha sido a linha nas notas do programa sobre balé hispânico ser o “coração cultural” da dança latina nos Estados Unidos ou talvez fosse a emoção confortável de estar em um auditório lotado de estranhos que me fez pensar sobre corpos. Não apenas corpos humanos, mas também o corpo da performance. Eu me perguntava: qual peça se revelaria o cérebro do espetáculo? Sua alma? Suas entranhas? Eu mal podia esperar para descobrir. 
Junto com uma estreia mundial, a noite de dança no New York City Center contaria com o retorno de dois favoritos da Companhia e uma nova adição ao repertório em homenagem à fundadora da Companhia, Tina Ramirez (1929-2022).
Ramirez, nascido na Venezuela e descendente de mexicanos e porto-riquenhos, mudou-se para os Estados Unidos ainda jovem e estudou com a lenda da dança espanhola Lola Bravo, a primeira bailarina Alexandra Danilova e a dançarina moderna Anna Sokolow. Depois de dançar profissionalmente por muitos anos no palco, na tela e na Broadway, Ramirez fundou o Ballet Hispánico em 1970 para defender e amplificar as vozes e experiências hispânicas. A empresa é agora a maior organização cultural latino-latina/hispânica do país e um dos tesouros culturais da América.
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A apresentação de gala da noite começou com uma apresentação de slides em homenagem a Ramirez e um comovente discurso de boas-vindas de Vilaro.
A primeira peça foi um trecho da peça do coreógrafo americano William Forsythe Novo Sono (1987). Ramirez sempre quis que a Companhia apresentasse um dos balés pós-modernos de Forsythe, então este dueto (encenado por Noah Gelber) foi realizado em homenagem a ela. Forsythe, que por muito tempo se pensou ser “o herdeiro natural de Balanchine” mas foi na prática muito mais experimental, levando o balé quase sozinho para o século XXI. Seu estilo pode ser cerebral e abstrato, até mesmo desconstrutivista, e esse dueto, embora lúdico, não é exceção.
Fatima Andere e Antonio Cangiano, parceiros quase contínuos, puxam um ao outro repetidamente para fora do centro até o ponto de contrapeso. Os movimentos são vistosos e extremos. As linhas são quebradas intencionalmente e os membros se estendem de maneiras aparentemente impossíveis, mas há algo frio nisso tudo. Uma desconexão emocional proposital. No geral, o dueto tem o tom de uma piscadela sem fim, tanto para benefício do público quanto contra ele. A partitura eletrônica, composta pelo colaborador holandês de longa data de Forsythe, Thom Willems, é semelhante em estilo: executada com perfeição, mas estéril. Novo Sono foi, sem dúvida, o cérebro brilhante do show. 
A seguir, um trecho da coreógrafa belga-colombiana Annabelle Lopez Ochoa Linha reta (2016). A peça explora a ausência de toque físico no flamenco, inserindo elementos da dança contemporânea, principalmente suas parcerias, no estilo tradicional espanhol. Enquanto Novo Sono claramente carece de paixão, Linha reta é tudo paixão - todo coração pulsante e brilhante. Onde o design de iluminação rígido de Forsythe e os trajes pretos são quase utilitários, a iluminação de Michael Mazzola é quente e os trajes vermelho-rosa de Danielle Truss brilham no palco. A longa cauda de babados do vestido de Amanda del Valle rouba a cena enquanto ela gira em torno de seus quatro homens. Nota: Eles são, sem dúvida, dela . Se o som da guitarra flamenca de Eric Vaarzon Morel fosse uma cor, também seria vermelho.
E então veio a estreia mundial de Michelle Manzanales Sor Juana , a alma inequívoca do show. O coreógrafo mexicano-americano não é estranho ao Ballet Hispánico. Depois de dançar com o Luna Negra Dance Theatre de Eduardo Vilaro em Chicago, ela seguiu Vilaro para NYC quando ele se tornou o novo Diretor Artístico do Ballet Hispánico. Por sete temporadas, ela atuou como Diretora de Ensaio e Associada Artística da Companhia, antes de se tornar Diretora de sua Escola de Dança em 2016.
A nova peça, a segunda de Manzanales para a Companhia, explora a vida e o legado de Sor Juana Inés de la Cruz, poetisa, estudiosa, compositora e freira mexicana do século XVII - considerada por muitos como a primeira feminista das Américas. “Sor Juana parece certa para este momento”, disse Manzanales ao Observer, apontando as infelizes semelhanças entre a vida da icônica feminista no México colonial do século XVII e o clima político e social de hoje. Enfrentamos a mesma censura, ataques aos direitos das mulheres e perigos potenciais de viver uma vida autêntica.
A peça abre com uma imagem impressionante: luzes caídas voltadas para o público, uma névoa atmosférica, uma mulher (Gabrielle Sprauve) em pé acima de uma massa de corpos. É uma conjuração, embora não esteja claro o que está sendo conjurado. Os corpos se erguem, sussurrando, girando em círculos, lançando os braços em poses de êxtase. Sor Juana's a força reside em sua capacidade de nos arrastar imediatamente para outro lugar, para criar um lugar e um tempo totalmente diferentes.
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Vemos vislumbres da vida de Sor Juana ao longo da peça, mas também da vida dos dançarinos, e talvez até de Manzanales, nas cenas mais contemporâneas. O processo coreográfico de Manzanales é colaborativo, convidando os dançarinos a compartilhar suas histórias pessoais e discutir leituras para “aprofundar o tecido conjuntivo no material”. Ela se descreve como uma coreógrafa de fluxo de consciência, preferindo trabalhar em vinhetas que saltam em vez de seguir uma narrativa linear. Seu vocabulário de movimento é uma mistura familiar de balé, dança moderna e contemporânea. Ela me diz que admira os estilos de José Limón e Ohad Naharin, e você pode ver traços deles nesta obra: os esterno aberto e ansioso; o feroz trabalho de grupo.
A paisagem sonora abrange séculos e estilos musicais desde a gravação de uma das composições corais e poemas de Sor Juana a um violoncelista (Rafael Krux) improvisando no estilo barroco a uma cantora espanhola contemporânea (María José Llergo), bem como os sons de grafite rabiscando e pássaros da manhã. Os figurinos, desenhados por Sam Ratelle (estilista de Billy Porter), assumem o desafio de períodos drasticamente diferentes com camadas requintadas que acabam por ser retiradas uma a uma.
“Estou sempre tentando criar um mundo sensorial com o que você está ouvindo, mas também com o que está vendo”, diz Manzanales. “É emocionante para mim transportar as pessoas para este lugar real que criamos no palco.” Embora a coreografia fosse desigual às vezes, Sor Juana O mundo conjurado é inesquecível.
A noite terminou com uma das amadas obras de assinatura da Companhia - Pedro Ruiz Clube Havana (2000). O “Chan Chan” do Buena Vista Social Club começou a tocar antes que as luzes se acendessem, e aqueles na platéia que sabiam o que estavam esperando aplaudiram. Um holofote iluminou Omar Rivéra fumando calmamente um cigarro; outra iluminada Gabrielle Sprauve rolando lentamente os quadris. Então houve mais cigarros e mais quadris, e a festa começou.
A coreógrafa ganhadora do Prêmio Bessie nasceu em Cuba e atuou como dançarina principal da Companhia por 21 anos. A peça é uma alegre homenagem à sua terra natal com a fusão de estilos de dança cubana (um pouco de conga, rumba, mambo e um pouco de cha-cha-cha) e música tradicional. É obvio Clube Havana eram os quadris sensuais e autoconfiantes do programa. Que maneira perfeita de terminar a noite.
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Não estava na lista da apresentação de gala a de Omar Román De Jesús papagaios , que estreou dias depois e sem dúvida será a poderosa coragem do line-up. Vencedor recentemente do Prêmio Princess Grace em coreografia, De Jesús é um porto-riquenho queer que dançou com o Ballet Hispánico de 2016 a 2017 e agora é um coreógrafo requisitado, bem como o diretor da companhia de dança com sede em Nova York. sua boca . Este é o seu primeiro trabalho para a Companhia, e na nota do programa lê-se: “ papagaios segue um personagem travesso que manipula a humanidade enquanto simultaneamente zomba da situação das pessoas. Isso é intriga suficiente para me fazer voltar para mais.
Antes de encerrarmos nosso bate-papo, Manzanales diz: “Sinto que a arte nos permite conversas que talvez não teríamos, por meio do que está sendo falado ou dito na obra”. Isso é verdade, e muitas conversas interessantes aconteceram ao meu redor enquanto o público saía do teatro. E alguns de nós não conseguimos deixar de balançar alegremente nossos quadris pelo corredor, porque isso é outra coisa que a arte pode fazer.
