A Bienal de Whitney deste ano é controversa, mas, francamente, estou ficando um pouco cansado de digitar essas palavras a cada dois anos. O Bienal de Whitney de 2024, “Ainda melhor que a coisa real”, oferece muitas tomadas interessantes e estéticas legais, além de um filme em que Danny Houston interpreta Albert C. Barnes. Então, do que exatamente as pessoas estão reclamando?
pílulas para acelerar o metabolismo
A Bienal, que vai até 11 de agosto, teve curadoria de Chrissie Iles e Eu apenas , e o Observer conversou recentemente com Onli para fazer algumas perguntas sobre como tudo aconteceu.
Como você acha que a sua Bienal do Whitney se distingue das demais e, para facilitar a comparação, da última em 2022?
Vejo cada Bienal do Whitney como sendo moldada pela(s) paisagem(s) cultural(ais) e política(s) do momento em que a mostra é organizada. Este é um período bastante pequeno, de cerca de onze meses, quando a mostra é realizada, e a Bienal é organizada de uma forma diferente de muitas exposições. Para uma comparação fácil e rápida, vejo 2022 “ Silencioso como é mantido” sendo moldado pela ocorrência imprevisível da Pandemia COVID-19, ao mesmo tempo que fala para conversas na arte contemporânea em torno da abstração.
Para nós, estávamos muito interessados no que vem depois do evento de algo como uma pandemia e recorremos a artistas que repetidamente transmitiram o seu interesse em regressar às ideias de precariedade dentro do ambiente construído e natural, bem como um interesse pelo corpo. Do ponto de vista formal, a Bienal Whitney de 2022 realmente promoveu uma sensação de abstração por meio de sua instalação. Para nós, queríamos instalar uma exposição que tivesse salas grandes que pudessem acomodar instalações e ao mesmo tempo colocar os artistas em diálogo direto entre si.
Por favor, me dê uma ideia de como você selecionou seus artistas. Quantas visitas ao estúdio você fez? Qual foi a distância mais longe que você viajou? Foi divertido?
Começamos a trabalhar na Bienal com Chrissie me encontrando em Los Angeles. Era setembro e Los Angeles estava passando por uma onda de calor. Cerca de metade dos artistas tiveram que reagendar as visitas porque estava muito quente. Houve um incêndio nas colinas de La Tuna Canyon Road, que não ficava muito longe de alguns estúdios que íamos. Foi um cenário bastante dramático e deu o tom para o show, mas também acho que estando em Los Angeles, conversamos cedo com alguns dos artistas que nos ajudaram a moldar algumas ideias do show, particularmente ideias de agência de material, uma interesse renovado pela psicanálise e a instabilidade do mundo.
Acabamos passando grande parte daquela viagem em ambientes fechados e apenas pensando em uma extensa lista de artistas que queríamos conhecer. Essa lista acabaria nos guiando em muitas de nossas visitas iniciais. No final das contas, fizemos cerca de 200 visitas ao estúdio e viajamos até Veneza para participar do Loophole of Retreat. O que era mais importante para nós era passar tempo com artistas. Tivemos uma média de cerca de 3 horas por visita ao estúdio, com algumas de nossas visitas mais longas durando doze horas. Tanto Chrissie quanto eu gostamos de conversar com artistas, e isso nos levou a muitas de nossas reflexões iniciais sobre o show.
O comunicado de imprensa diz que a mostra “representa noções em evolução da arte americana”. Como você definiu “americano” ao entrar nesse processo?
Esta é uma questão com a qual Whitney está constantemente lutando. No museu, frequentemente discutimos o trabalho baseado no tempo passado nos estados, por exemplo, ter vivido nos EUA ou frequentado a escola aqui quando tinha apenas dois anos. Acho que muitas vezes nos desafiamos a questionar conceitos de fronteiras, limites e territórios. Isso foi influenciado por conversas com curadores, artistas e acadêmicos indígenas. Dentro da programação cinematográfica, também temos artistas que não estão apenas lutando com essas ideias, mas também pensando na própria América como um sujeito e uma influência além de sua localização geográfica.
melhor lugar para comprar mods vape
Este ano apresenta apenas quarenta e quatro artistas e coletivos, uma Bienal de Whitney relativamente menor. Por que você escolheu mantê-lo limitado?
Toda a exposição apresenta setenta e um artistas e coletivos, refletindo um robusto programa de filmes e performances com curadoria em colaboração com curadores externos. No entanto, as próprias galerias contam com quarenta e quatro artistas.
No início do trabalho na Bienal, havíamos discutido em dar mais espaço aos artistas nas galerias. Estávamos interessados em apresentar grandes instalações e queríamos que cada artista tivesse um espaço generoso que os colocasse em diálogo com os artistas instalados ao seu redor, criando ambientes envolventes. Durante as nossas visitas ao estúdio, percebemos que muitos dos artistas com quem nos encontrávamos também produziam trabalhos em grandes escalas. Por exemplo, durante uma reunião inicial com Mary Kelly, ela mencionou que seu trabalho teria cerca de nove metros de comprimento.
Ter menos artistas também proporcionou mais recursos para cada artista. Pela primeira vez, os artistas receberam US$ 2.000 em honorários. Conseguimos apoiar mais trabalhos novos criados para a mostra e, com uma quantidade menor nas galerias, também reservamos mais tempo para passarmos com cada artista.
O texto na parede na entrada diz que seu título “Ainda melhor que a coisa real” refere-se em parte ao crescimento da inteligência artificial. Falando de forma ampla, qual o papel da tecnologia na vida profissional dos artistas que você selecionou?
Nesta Bienal estávamos interessados nas questões do “real” relacionadas com três grandes mudanças ao longo do ano passado: a proliferação da inteligência artificial que alterou o que entendemos como verdade e história; e as mudanças históricas na autonomia do nosso corpo, como visto na derrubada do caso Roe v. Wade e na legislação transfóbica que restringiu os cuidados de afirmação de género. Ao considerar os artistas desta mostra, a maioria deles não teria sido considerada “real” e, em vez disso, subumana dentro da história da América. Essa noção perpetua até hoje.
tempo de execução victoria e abdul
VEJA TAMBÉM: Miriam Simun sobre a tecnologia na arte e na ciência como meio
Quanto à tecnologia na mostra, há trabalhos que envolvem diretamente a IA, como Holly Herndon e Mat Dryhurst é xharymutantx , que usa IA. imagens para alterar as imagens de Herndon e como ela é retratada online. Outros artistas exploram a tecnologia através de processos, materiais, metáforas ou de maneiras mais sutis, como tecnologias assistidas por IA encontradas nas obras de Nikita Gale , Sim fã , Clarissa Tossen , Ver , Chanel Tyson e Ho Tzu Nyen .
O mundo da arte recebeu uma infusão maciça de política em 2017. O que você acha da presença contínua deles na arte e quais foram suas atitudes em relação à política na curadoria desta mostra?
O mundo da arte sempre foi impregnado de política. Penso que a palavra “política” pode muitas vezes sinalizar uma noção de “política progressista” quando na verdade o mundo da arte é composto por políticas concorrentes. Vejo 2017 e o verão de 2020 como parte de um continuum. Há uma longa história de artistas e trabalhadores da arte que defendem que museus e galerias reflitam o mundo diverso em que vivemos. O maravilhoso livro de Susan E. Cahan, Frustração crescente: o museu de arte na era do poder negro , examina as mudanças nos museus nas décadas de 60 e 70.
Algo que impulsionou nossa curadoria foi pensar sobre o que se espera que artistas de identidades marginalizadas criem. Percebemos tantos artistas lutando com a complexidade da identidade e com um interesse real em questionar o que significa ser visto e interpretado por pessoas de fora da comunidade. Esta exposição tem trabalhos que tratam de muitas questões complexas, incluindo genocídio, desastre climático, direitos de propriedade, roubo de terras e acesso ao aborto, para citar alguns. Muitos dos artistas estão lidando com isso de maneiras formais mais abstratas do que algo bombástico ou representativo.
O que você espera que os visitantes ganhem com o show?
Espero que os espectadores saiam do programa com um interesse renovado em olhar mais de perto. Esta exposição fala da complexidade de nós mesmos e do mundo que nos rodeia. Não é uma exposição de leitura rápida. Muitos dos artistas têm abordagens formais que podem complicar as ideias do corpo e falar com um eu multidimensional e em mudança. Eu adoraria que o público saísse pensando em como a identidade pode ser complicada.
melhor joalheria para comprar anel de noivado
