Salvar o soldado Ryan é uma obra-prima. Isso cimenta a reputação de Steven Spielberg como um dos cineastas seminais da época. Conta uma história galante de honra, dever e coragem sob o fogo. Mostra coisas sobre a guerra que nunca foram vistas em uma tela de cinema. Você tem orgulho de ser um americano sem muitos acenos de bandeira falsos, sentimentais e patrióticos. E isso reaviva minha fé na grandeza potencial dos filmes. E agora, tendo dito o suficiente para levantar sobrancelhas, vamos começar a controvérsia.
Algumas pessoas não vão querer ver este filme poderoso e eletrizante por causa da violência. (Essas são as mesmas pessoas que gostaram de Pulp Fiction.) Bem, eu não posso mentir. Salvar o soldado Ryan é violento. A guerra é violenta. Mas um dos muitos pontos fortes deste filme fenomenal que o separa do usual Bang, bang, você está morto! material é a maneira como não apenas examina a natureza da violência, mas redefine todo o conceito. Você observa as agressões mais desumanas e entende por que foram necessárias para a autodefesa. Spielberg vai além do gênero de filme de guerra; ele traz para você a própria guerra.
Salvar o soldado Ryan não perde tempo em exposição. Isso o leva a um dos confrontos mais violentos da história mundial desde o início. É 6 de junho de 1944, o dia conhecido na infâmia como Dia D, quando os Aliados desembarcaram na praia da Normandia para enfrentar os tanques alemães que ameaçavam o futuro do mundo civilizado. Mais de 4.000 americanos morreram na batalha que se seguiu, e Spielberg captura o barulho e a confusão, as lágrimas e o terror dos meninos que morreram como heróis antes do tempo, em uma das sequências de combate mais angustiantes já filmadas. Você está mergulhado de cabeça no olho da matança, onde a sobrevivência foi um milagre. Vocês são os alemães e são os soldados feridos e vomitando também, enquanto as praias se enchem de corpos e sangue e os feridos são arrancados dos braços dos médicos da Cruz Vermelha antes que possam ser arrastados para um local seguro. Esta sequência devastadora dura 30 minutos e é a meia hora mais opressora e agonizante que já passei em um teatro. Não há tentativa de alterar o som para tornar as linhas individuais de diálogo mais fáceis de ouvir. Para um homem, os atores estão roucos com a cacofonia que os envolve, e o espectador se sente tão preso e desorientado quanto os soldados. A invasão da Normandia foi bem documentada no épico The Longest Day, mas a tela de Spielberg está em uma escala ainda mais massiva, com uma explosão virtuosa de horror aniquilador que arremessa o público para o centro da ação com uma força centrípeta indescritível .
A história que se segue é sobre oito soldados corajosos, mas maltratados, liderados por Tom Hanks, que recebem ordens para resgatar um soldado (Matt Damon) desaparecido em ação atrás das linhas inimigas. Ninguém quer a designação, mas a cadeia de comando desce desde o general George Marshall, que está disposto a arriscar a vida de oito homens para salvar um menino a fim de aliviar o sofrimento de uma família enlutada em Iowa após o outro três filhos morreram em ação. Em uma atuação eletrizante, o Sr. Hanks deve justificar o risco para seus homens, evitar que desertem e encontrar decência e responsabilidade no inferno da guerra. No brilhante roteiro de Robert Rodat, você conhece cada homem como um membro de sua própria família e, ao longo de quase três horas, Spielberg prova que nada na guerra é preto e branco. Os americanos são bons e maus, covardes e nobres. Alguns são capazes de cometer as mesmas atrocidades contra alemães rendidos que estão lutando para prevenir. Acima de tudo, eles são humanos.
O conjunto de atuação é de primeira linha. Tom Sizemore é especialmente bom como o sargento veterano duro que joga pelo livro de regras, e Edward Burns, como o rebelde duro do Brooklyn que não tem misericórdia do inimigo, sai de seu monótono monótono usual para gravar um retrato de cinismo e raiva sob estresse que é surpreendentemente visceral. Lealdades e valores mudam quando você está emocionalmente perturbado, e o elenco faz um trabalho convincente ao mostrar o conflito interno. Em última análise, os valores que Spielberg explora nesses homens são a ética da humanidade.
Você sai de alguns filmes dizendo, eu sei como eles fizeram isso. Em O resgate do soldado Ryan, as cenas de batalha são tão explícitas que você não consegue acreditar no que está vendo. Você nunca está ciente da presença da câmera. Nada parece ensaiado ou encenado. Você é simplesmente arremessado da cadeira. Longe de ser um filme de guerra entusiasmado convencional cheio de heroísmo machista, ainda faz você sentir os minúsculos momentos de coragem que vieram inesperadamente aos homens que lutaram na Segunda Guerra Mundial, sem perder de vista sua narrativa humana. Algumas pessoas vão se opor à patrulha de oito caras que às vezes parecem exterminar metade do Exército Alemão com um suprimento infinito de artilharia, mas o filme é tão lindamente ritmado pelo Sr. Spielberg e freneticamente editado (por Michael Kahn) que você nunca tenha tempo para se preocupar com o artifício ocasional da trama. Pela força bruta pura, supera Battleground, Battle of the Bulge, Bataan e até The Longest Day como grandes filmes de guerra vão.
Para o público mais jovem que nunca ouviu falar de Omaha Beach ou Bastogne ou mesmo Adolf Hitler, este filme é uma valiosa lição de história. Para um público mais maduro, é uma renovação da compreensão da última guerra que realmente valeu a pena lutar. Eu disse isso antes e vou dizer de novo. Salvar o soldado Ryan é uma obra-prima. E porque não? O Sr. Spielberg fez um dos melhores filmes infantis de todos os tempos. Ele fez um dos maiores filmes de terror de todos os tempos. Ele fez o maior filme sobre o Holocausto de todos os tempos. Depois de E.T. , Tubarão e Lista de Schindler, é lógico que agora ele faça um dos maiores filmes de guerra de todos os tempos. E foi exatamente isso que ele fez.
Sedgwick chega.
Onde está Shakespeare?
Apesar do cheiro de incenso e da música de cítara, a tentativa de Nicholas Hytner de mover a Décima Segunda Noite de Shakespeare para o Oriente na polêmica produção de verão no Lincoln Center muitas vezes parece mais com Jacques Offenbach do que com Ravi Shankar. É um espetáculo suntuoso para os olhos, embora nem sempre para os ouvidos. Illyria do designer Bob Crowley é construída em canais que se parecem mais com Veneza do que com a Caxemira. Tapetes persas com pavões são separados por calçadões de mosaicos indianos e, na piscina azul safira, atores polidos e polidos do Reebok Gym se agitam, vestindo o mínimo que a lei permite. Quando o Orsino de Paul Rudd disser a famosa frase Se a música for o alimento do amor, toque! ele está fumando um cachimbo de ópio em um estado de estupor horizontal. Quando a viola de Helen Hunt entra, ela emerge de um naufrágio, vadeando através de poças de névoa tênue. Sim, há agitação por todo o lugar, novas ideias em movimento e muito deslumbramento para desviar a atenção, mas onde está William Shakespeare?
Congratulo-me com qualquer versão revisionista de Twelfth Night, incluindo Your Own Thing, o musical de rock que até incluía uma cena entre Humphrey Bogart, a Rainha Elizabeth, o Deus de Michelangelo da Capela Sistina e John Wayne. Mas colocar a mais romântica das comédias em uma discoteca pareceria, de alguma forma, menos bizarro do que algumas das travessuras dessa estranha produção. Os amores emaranhados de Viola e seu irmão gêmeo Sebastian, o conde Orsino, Olivia e os diversos criados e bobos da corte que os confundem ainda mais são um prazer vertiginoso, pronto para uma brincadeira, seja o cenário de Marrakech ou Maine. Mas é uma estranha variedade de companheiros de cama maltratados que se divertem aqui.
A maior surpresa é Kyra Sedgwick, uma estrela de cinema com a beleza, o timing e a linguagem corporal para fazer de Olivia a vertiginosa deusa de que os sonhos são feitos. Helen Hunt, com seu rabo de cavalo de menino e entrega séria, é uma dobradora de gênero atraente que muitas vezes reduz a métrica arcaica a leituras contemporâneas que vão agradar as pessoas que odeiam Shakespeare, mas ela não tem sombreamento vocal ou treinamento de palco para tornar a Viola memorável. Com brincos pendurados e longos cachos caindo em cascata pelas costas como a crina de um cavalo, Paul Rudd parece um guitarrista de rock drogado. A anos-luz de distância do charmoso professor de escola gay que interpretou no cativante filme de Hytner, O Objeto do Meu Afeto, ele ainda não tem estatura masculina para fazer de Orsino o centro das atenções. Brian Murray e Max Wright interpretam os tolos como Laurel e Hardy bêbados, comendo comida chinesa com pauzinhos, enquanto seu companheiro na comédia vulgar, Skipp Sudduth, de calcinha e gorro, está vestido como Warren Beatty em Bulworth. Sempre uma maravilha, Philip Bosco é um Malvolio turbulento, fazendo a transição de um mago financeiro severo para um idiota estúpido com uma atitude enrugada e sobrancelha enrugada que me lembrou o homem da vodca Smirnoff com prisão de ventre. Alguns membros do enorme elenco ainda estão procurando as subcamadas de seus papéis, e outros, como Rick Stearn como o belo Sebastian, mal estão se comunicando com o Bardo.
Na impressionante suntuosidade do design de produção, há muito o que admirar, mas quando você passa mais tempo contando e recontando o número de velas levantadas e abaixadas do teto em uma estrelada décima segunda noite (eu contei 60), há algo de errado com a própria noite.
